本篇文章给大家谈谈波点女王，以及波点女王是谁对应的知识点，希望对各位有所帮助，不要忘了收藏本站喔。
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草间弥生不知是在哪面墙上钻了一个洞，
窥知了造物者的某个手势或背影，
她从此寄于这面墙上，
在两个世界间来回顾盼。
“精神疗养院里的艺术天后”“波点女王”……
这些都是旁人眼中的草间弥生，巨大成就的背后是难为人知的痛苦。
01“地球也不过是百万个圆点中的一个”
“地球也不过是百万个圆点中的一个”草间弥生总喜欢这么说，从10岁起她就为幻觉、幻听等所困扰，年幼的她不堪重负，一度想要自杀。后来，草间弥生试着将眼前的世界用画笔记录下来，把斑点看成世界的细胞、分子，亦或是来自宇宙和自然的信号。 “面对恐惧，除了害怕，还可以利用它” ，每每将幻觉画下来，草间弥生就会获得内心的平静。
02越过高山去触摸外面的世界
1955年是草间弥生人生中的巨大转折点，偶然间，她在书店发现了美国女画家乔治亚·欧姬芙的作品，还不懂英文的草间弥生央求懂英文的堂兄帮助她与欧姬芙通信，信中写道： 我在艺术的道路上才刚刚起步，恳请您为我指路。 欧姬芙欣然答应。
1957年，草间弥生一拿到签证就奔赴美国，愤怒的母亲告诉她走了就永远不要踏进家门，草间弥生还是义无反顾地走了，因为她清楚地明白当时的日本思想封闭，女性地位低下，无法给自己的艺术提供合适的土壤。 “我当时非常清楚，如果想在艺术上走得更远，必须越过家乡这座高山去触摸外面的世界”。
03从西雅图到纽约，她靠艺术活着
草间弥生的作品很快在西雅图得到认可，她并不满足于此。她来到纽约，站在帝国大厦的顶楼，想要用自己对艺术的热情与巨大的创造力征服这座城市。
在那段时间里，草间弥生夹着自己的画在城市的画廊中来回穿梭，在租住的公寓里半夜如果被冻醒，那就画画到天亮。她在日后的小说《中央公园的毛地黄》中回忆自己孤独潦倒的经历： 我从街边的垃圾篮中拾起鱼头和被丢弃的烂菜叶，并用这些材料熬一碗热汤。
比起其他艺术家，草间弥生又是幸运的，这样的日子仅持续了十八个月。1959年，抵达纽约的十八个月后，草间弥生创造的《无限的网》引起了热烈反响。而在举行“千船会”以及“反战”等一系列展览后，草间弥生在纽约开启了自己的黄金时代。
04撕裂、平静——她作品的关键词
初看草间弥生的作品并不觉得有什么独特之处，细看才能感受到疯狂色调下的平静，
她的作品充满了撕裂的疼痛感，
她将自己的痛苦、创造力全部注入到作品里，
近乎忘我，无法抽离。
05“要不是创造，我早就自杀了”
在自己的精神伴侣约瑟夫·康奈尔去世的第二年，草间弥生从纽约回到东京，逃出公众视野，在精神疗养院生活且一住就是四十年。她过着近乎与世隔绝的日子，不用电脑和手机，很少会客。白天到疗养院旁边的工作室进行创作，晚上则回到疗养院休息。
每天的创造时间超过八个小时，她像一个易碎品，而艺术就是包裹着易碎品的棉花，她强调： 我的一生，我活着的每个日子，都必须与艺术相关。
06沉浸于艺术的小孩
草间弥生已经九十多岁了，但她和年轻时似乎没什么两样。夸张的bobo头，身着带有标志性的波点的服装，仍像一个不问世事的孩子，对于自己的热爱的艺术有着超乎寻常的执着和精力。
她说，自己想去谈一场精彩的恋爱，她说，自己是不老，永远青春的，她有底气地狂妄着： 我觉得没有人比我有才华，我一直把所有时间都用在艺术上，并且把我最原始的意念和想法全部用到了代表草间弥生的作品上。
一场突如其来的疫情打乱了人们的生活，
草间弥生作为艺术领袖也为此发表了一首诗歌:
让我们共同前行
怀着深切的爱和全世界人民的努力
我希望可以实现这一愿望
对于阻碍我们的新型冠状病毒
我说：从地球上消失吧
我们一起战斗
这位怪婆婆用艺术镇压自己的痛苦，
亦用艺术将爱释放到全世界。
文丨丁丁
编丨丁丁
图均源自网络
20世纪精神病艺术家，全世界屈指可数。其中一位名为草间弥生，这是一个第一眼看到就让人难以忘记的名字。如果你再多了解一点她的艺术她的作品，将会更加让你难以忘记。艺术天后、精神病患者、圆点女王、日本怪婆婆都还不足以形容她的一生。
她从被视为国耻，到被视为日本现存的国宝级艺术家，她不断创作来证明自己，她和小野洋子等人共同见证了当代艺术史，并被选入全球百大艺术家（亚洲仅两位入选）。
草间弥生，Yayoi Kusama，生于日本一个富庶家庭，她的家族是经营种子生意的，相当于一个农场庄园。她的母亲便是这个老园主的女儿，父亲则相当于入赘。父亲生性风流，常年流连于艺妓花丛。父母关系紧张让她没有体会到家庭的温暖，而母亲则更是对她体罚关禁闭，这样的家庭让一个小女孩几乎精神崩溃。但这也激发了她的创作潜力，更为她日后的艺术之路做足铺垫。
1955年，26岁的草间弥生在书店发现了美国女画家乔治亚·欧姬芙的作品，她写信给她寻求帮助。回信几乎等待了一年，欧姬芙表示愿意帮她推荐作品。
几乎又过了一年，她才终于得到母亲的同意，带着一百万日元和几十套昂贵和服踏出家门。但临别前她在河堤边毁掉上千幅作品，也许只想表达她对母亲的愤怒。
1959年，草间已经来到美国18个月，她的5件作品参加了一次年轻艺术家群展，她的圆点艺术风格第一次引起了评论家的注意。
整个60年代，都是草间艺术最为辉煌的时代。
1964年她组织了名为“千船会”的展览，满是生殖器模样的软雕塑淹没了来现场参观的所有民众。
1967年她开始了现场裸体艺术表演，1968年组织了裸体行为集会。她成为了被媒体追逐的“自由女神”。1969年她登上了《纽约时报》封面人物，但是副标题却写着一句“但这是艺术吗？”。
草间来自东亚日本，本该是温室中的花朵，她内敛而安静，一副东方女性的面孔，个头娇小，但她却偏在风雨中不断洗礼，偏偏站在潮流最前沿。这一切在日本是不被接受的，家门不幸，道德败坏，她的家族彻底与她决裂。
在那个大胆前卫取胜的时代，草间遇上了约瑟夫·柯内尔，如果说草间没有得到过家庭亲人之爱，那么约瑟夫就是上帝弥补给她的一位真正的灵魂伴侣。
柯内尔是近代美国著名艺术家、雕塑家和实验电影先锋人物。二人都是艺术家，他极致地懂她，懂到灵魂深处，他放肆地爱她，爱到病入膏肓。
草间在后来的自传中写到：“第一次见到他时，他穿着一件奇怪的外套，我被吓坏了，以为自己见到的是一个幽灵。”
“ 他每天写信给我，打无数个电话给我，在电话中呼唤我，以至于有人问我，电话是不是坏掉了。我说，不是的，是因为他一直在和我通话。”具统计，柯内尔有一天竟然给她写了14封信。
1972年约瑟夫·柯内尔的病情已经非常严重，他邀请草间去看望他，草间开玩笑说要用最昂贵特别的方式才会愿意，他就找最昂贵的豪车去迎接她，她去看望了他。但他最终无法逃脱病魔，去世。爱人离开给草间弥生沉重的打击，她的精神问题愈发严重。
1973年，约瑟夫去世的第二年，草间弥生从纽约回到东京。不再与艺术家与评论家为伍，不再活跃于大众媒体视野，没了爱人，她只想独自一人在精神疗养院生活。
平日里的草间弥生充满内敛和安静的气息，那样一副年轻姣好的东方女性面孔，在纽约艺术界显得新鲜又纯粹；但另一面她又很极端。她疯狂投入到裸体行为艺术中，她急需热烈地释放，她甚至多次裸露登场，组织游会裸着，被拒绝参加画展也裸着。这样的草间遭到了一些老朋友的背弃疏远，也许他们认为草间弥生为求成名已经无所不用其极，毕竟裸体行为艺术在那样的年代也是相当超前。
草间在美国进行了十余年的创作，那时恰逢波普艺术兴盛，她的波点艺术得到了很多行业认可。后来有评论家认为，草间弥生的成功有一部分原因要归于当时的社会背景：“那是一个‘嬉皮士’横行的时代，草间弥生很快就意识到这个国家正在流行什么，他们抗议越战，吸食毒品，追逐东方神秘，寻求外来宗教的庇护，崇尚性解放。很多人开始以打破常规为生，一些人因此变得富有和出名。”。
国内评论家陆蓉之把草间弥生和小野洋子比作20世纪国际艺坛最闪耀的女明星，但草间没有小野洋子那么幸运。小野洋子与列侬有一场世纪之恋，长期接触欧美艺坛核心势力，这些都极大程度地提升了她的行业知名度。
草间艺术具有标志特性的独特风格，南瓜、波点、镜子甚至生殖器，还有裸体行为艺术，草间的一切源自她的生活，发扬于她的精神病。但是草间没有一个列侬，也没有世纪之恋，这在一定程度影响了她的知名度。
1993年，时隔草间在美国成名后30年，她代表日本参加威尼斯双年展，她拥有了为她专门设立的主题馆。她的前卫始终超越在潮流之前，日本国内也终于逐步接受她的艺术风格。
回到日本之后，草间一直居住在疗养院并坚持创作，从前的她多少是叛逆不羁，疗养院一成不变的生活终于磨掉这个少女的棱角，她的南瓜作品风格成为经典，波点女王还是游走在时尚潮流的最前沿。
草间弥生，波点女王，她的作品充满了无穷无尽的各色圆、条纹、生物触角，乍眼一看是写实，但又让人在虚实之中混淆空间，带给你紧张、眩晕、“身在此山”般的迷惑。
从草间的成长环境来看，波点的形态可能出自种子这个事物，因为她的家族就是从事种子生意的。她的童年可能遭遇了虐待和欺凌，她患有神经性视听障碍，进而演化成精神病。同样的事物，普通人看上去是一整体，但是草间看去就好似看到了事物最基本的单位元素，她看见了细胞和分子，所以她画出了波点，她认为那是宇宙和自然的信号。
她还说过：“地球也不过是百万个圆点中的一个”。当我第一眼看见这句话时，立时想起了三体，她说得很对。
与这个世界沟通，她的内心是不是一直存在这般念头？她想通过波点与波点之间的连续性和间隔性，制造一个无限延伸的空间，她本人沉迷其中，观者也无法找到那个世界和真实世界的边界。与其说这是一种与世界沟通的途径，不如说是一种心灵治疗。这称为“心因艺术”。
中国小康网讯 “波点”艺术元素，在 时尚 界一直是“王炸”一般的存在。很多奢侈品大牌联名都少不了它的身影。而它的创造者，是一位90岁的前卫艺术家——草间弥生。人称“波点女王”。
草间弥生
草间奶奶今年92岁了，却是世界上最前卫的艺术家之一。 时尚 界熟知的“大波点”，就是她的创作。
因为梦幻、童真、超现实的大波点，草间奶奶被人们尊称为“波点女王”。
草间弥生地方鼎鼎大名和波普艺术大师安迪·沃霍尔在很多场合，都是并列般的存在。然而1939年出生的她，从10岁开始，就受神经官能症的困扰。世人皆知的大波点，实际是她将幻觉逼真地记录下来而已。
1957年，草间弥生拿着妈妈的100万日元，和300套和服，独自去美国闯荡，从此开始了“波点女王”的升级打怪之旅。
草间弥生作品《花（D.S.P.S）》，1954年
1959年，她的作品《无限镜屋》在美国纽约展出，一炮打响。接着，又赶上60年代美国反对越南战争，倡导女性个性解放的嬉皮士运动，草间弥生的作品因其先锋性，更加地流行了。
1966年，草间弥生又创作了《无限的爱》，用小灯泡和镜面反射射的空间装置，造成了相当迷幻的视觉效果，草间弥生一时风头无两。同年，的作品她《那喀索斯的花园》受邀参加了第33届威尼斯双年展。迎来了人生的高光时刻。
由于身体原因，草间弥生晚年住进了东京的心理治疗所，也把工作室搬进了病房。但病魔并没有影响她的创造力，如今，她仍笔耕不辍，将更多的作品展现在世人面前，也带给 时尚 界无穷的灵感。
正如草间弥生对自己的评价：
我始终前卫，我跟别的老人不一样，我从几十年前开始就是前卫艺术家，现在我还是。其他人要不是死了，要不是老了，但我永远是前卫艺术家。我是最有才华的。“
让我们祝福这位有才华的奶奶 健康 长寿！（子华）
1939年，草间弥生（Yayoi Kusama）约10岁时，开始被大量幻觉困扰，因而时常有自杀企图。她留有当时为母亲画的铅笔画，画中就已充满了小圆。
1954年，草间在绘画作品《花（D.S.P.S）》中曾有下列的表达：“某日我观看着红色桌布上的花纹，并开始在周围寻找是不是有同样的花纹，从天花板、窗户、墙壁到屋子里的各个角落，最后是我的身体、宇宙。在寻找的过程中，我感觉自己被磨灭、被无限大的时间与绝对的空间感不停旋转着，我变的渺小而且微不足道。
1955年，与美国女画家乔治亚·欧姬芙通信，并开始准备到美国。
1957年，移居美国，大部份时间都在纽约市创作，并开始有“前卫的女王”之称。1960年代参加了许多反战运动。
1962年，在纽约市的绿艺廊参加了七人联展，展出作品是软雕塑，参展艺术家包括了安迪·沃荷、克勒斯·欧登柏格。
1965年，在纽约展出《无限镜屋》（Infinity Mirror Room），个人特色（白底红点、大面镜、艺术家站在中央）相当引起注意。
1966年，作品《无限的爱》（Love Forever），使用小圆灯泡和大面镜无限反射的空间装置，造成了相当视觉迷幻的作品，可说是草间的成名作。该年受邀参加了第33届威尼斯双年展。作品名为《那克索斯的花园》（Narcissus Garden）
1968年，创作短片“消灭自己”（草间の自己消灭）得到了比利时第四届国际短片大奖与第二届日本联合树下电影节（アン・アーバー映画祭）的银奖。
1978年，在日本出版了第一本小说《曼哈顿企图自杀惯犯》（マンハッタン自杀未遂常习犯）
1983年，新小说《克里斯多夫男娼窟》（クリストファー男娼窟）获得日本第10届野性时代新人文学奖。（此书在1999年有中文翻译，由皇冠出版社出版，ISBN：9573316374）
1993年，代表日本参加威尼斯双年展。
1998年，参加了台北双年展。
1998年出版的草间弥生作品集，收录了她在1958年到1968年间的当代艺术作品1951年，青年时的绘画作品《彷徨的梦》（Zanmu）获得日本第二届创作奖入选。
2000年，参加澳大利亚雪梨2000双年展。作品是1965年的《无限镜屋》（此作品在1998年用同样的材质复制，原作已毁损。整个作品空间为250 x 500 x 500 厘米）。
2001年，获得日本朝日赏Asahi Prize。
2002年，出版自传《无限的网》。
2003年，在日本与美国展开了长期的巡回回顾展。并获法国文化部颁发艺术及文学骑士勋章（Chevalier de l'ordre des arts et des lettres）
今日她住在东京的心理治疗所中，并以七十多岁的高龄继续从事艺术创作，她的工作室离治疗所不远，她曾经常对媒体表示“如果不是为了艺术，我应该很早就自杀了。”
2012年，草间弥生本人、其工作室以及长久代理她作品的大田艺廊（Ota Fine Arts）与苏富比合作策划了一场“草间弥生-花儿在我心中为香港绽放”的独一无二草间弥生作品展售会。该展售会将会在2012年5月19至31日在「香港苏富比艺术空间」举办。
2013年12月15日至2014年3月30日，草间弥生“我的一个梦”亚洲巡展在上海当代艺术馆开展。
2014年9月25日，在上海举办的首届西岸艺术设计博览会中，20余副草间弥生作品展出。
经历了一波倒春寒，春天终于站稳C位了。
总算跟黑黢黢、灰扑扑的冬装说再见啰。
不过对于一些内敛的50+的朋友来说，虽然心情也跟着季节一起花红柳绿的，但要穿得花红柳绿的，还是缺乏勇气。
毕竟，菜市场、公交车是我们的主“秀”场，被众多目光“围观”还是多不好意思的。
可又实在不想继续黑黢黢、灰扑扑的，人靠衣装佛靠金装嘛，穿得好看点，有益身心 健康 ，那是硬道理。
有没有一种穿法，既简单易学，又可以让我们可以穿得花一点，又不会显得花哨？
完全有啊！让波点帮你!
“花一点”的意思是：俏一点，生动一点，有趣一点——这些，波点都能做到。
女王的波点
作为波点的资深爱好者，英国女王伊丽莎白二世年轻的时候就已经跟上波点流行的潮流了，我们能在女王身上看到各式波点。
波点似乎跟所有颜色都有一种相见恨晚的魔力，居然跟所有的颜色都可以很搭！
高雅的蓝色波点裙，端庄大气，礼帽上有同色花朵的装饰,好减龄！
50+的波点范儿
奶奶级的“50后”张瑜的这身白底黑色波点套装，清丽干练
67岁的赵雅芝，上衣的黑色小波点与细腻精致的领结、耳环相呼应
谢霆锋的妈妈也年近七旬，和丈夫穿着波点情侣装，这条波点半裙挺不错
美国老男神、世界最会穿的大叔Nick Wooster这件波点西装也太拉风了吧
波点这样穿
波点宜小不宜大
大波点很挑人，因为量感大，比较适合五官轮廓深并且五官比较大、骨架稍微大一点的人。
而且大波点面积比较容易显得膨胀，如果款式不对，那就更显胖了。
普通人，还是更推荐小波点。况且，小波点会显得含蓄和浪漫。
蓝+白 黑+白更经典
红白波点也很常见，但很考验气质，不小心就穿土了。
所以，保险起见，选蓝底白波点、白底蓝波点、黑底白波点、白底黑波点对大家更友好一些，也更显雅致沉稳一点。
款式怎么选
基本款和飘带款的波点衬衣是利用率最高，也最不容易过时的。
波点衬衫可以配纯色半裙、牛仔裤、西裤或者阔腿裤。
波点针织开衫可以组合白色连衣裙、烟管裤或者牛仔裤。
波点半裙可以与纯色西装、风衣、纯色衬衫做搭配。
别忽视波点单品（ 以下波点单品画面请脑补 ）
波点发带 ，能让整体造型更加精致。
将 波点丝巾系在包上 ，就能让原本普通的包变得非常特别。
波点包包 ，特别适合一身纯色搭配时起点睛作用。
穿双俏皮的 波点袜子 ，给他们看看你年轻的心。
冬天呢，也可来一条温暖的 波点围巾， 打破一身的沉闷。
看看贝克汉姆这件波点衬衫，由于衬衫领型本身有闭合性，小波点会增强衬衫整体的干练简洁程度
好喜欢这位大姐啊，藏蓝色连衣长裙采用轻盈飘逸的雪纺材质，结合小白波图案，清新优雅又活泼
向波点婆婆致敬
波点女王草间弥生（1929年3月22日-）是日本响当当的经典艺术家，她将波点视为来自宇宙和自然的信号：“地球也不过只是百万个圆点中的一个。”
老婆婆绝不满足于画里的小圆点，还拿来做时装，1990年代后，她推出了布满圆点的服饰，并开始贩卖许多 时尚 衍生品，包括电话绳、钥匙扣、雨伞、马克杯和吊饰……
所以，当你在身上来一波“波点”，不仅可减龄，也是在向这位古灵精怪的波点女王致敬呢！
— The End —
图据网络 如侵立删
很多画家、尤其是西方的画家们都喜欢给自己画像，这些自画像，有的写实，有的抽象，他们以各种各样匪夷所思的方式“搏眼球”。不管什么表现形式，美术作品中的自画像，都是艺术家对自己的自我解读，抒发自己的艺术主张。一些绘画大师例如梵高、伦勃朗等人，不同时期的自画像有几十幅，简直就是在用画笔写自传。
这里，我选取中外若干最著名的画家有代表性的自画像供大家欣赏。
达·芬奇
达·芬奇是欧洲文艺复兴时期的天才画家，他的《蒙娜丽莎》、《最后的晚餐》举世皆知。此幅《达·芬奇自画像》是达·芬奇60岁时的作品，整幅画用笔流畅、洗炼，用线代面，特别是善用线条的疏密表现光线明暗的微妙变化，立体感很强，人物的表情也很传神，深邃的充满着智慧的目光给人印象深刻。
达·芬奇的这幅自画像，有没有点《蒙娜丽莎》的影子？
梵高
梵高是荷兰著名的后印象派画家，他是表现主义的先驱，深深影响了二十世纪艺术。梵高的肖像画非常多，这幅画是梵高所有的自画像作品中最有名的一幅。1888 年，在阿尔的梵高邀请高更与自己同住，然而，两位艺术家性格的冲突和观念的分歧，在一起经常发生争执。在一次争吵后，高更愤怒的离开，而本身患有“疯病”的梵高事后悔过，竟然割掉了自己的右耳，这也成为艺术史上最惊人的自残行为。这幅画创作于他割掉耳朵后不久，画中梵高忧郁的眼神、夸张冷峻的的脸颊、满头的绷带，给人强烈的视觉冲击。
我们来对比一下，现实中的梵高长什么样并体会他自画像的笔触。
达利
达利是西班牙的超现实主义绘画大师，他的作品充满想象力，连自画像都是如此不走寻常路。上边是他晚年的照片，这幅自画像重，那两根向上翘的小胡子，还真是有几分神似。
毕加索
毕加索是国际公认的艺术大师，他对世界艺术的推动也产生了极为重大的作用和影响，并极大改变了人们绘画创作与观赏的思维和方式。这幅自画像，是他1938年的作品，立体画派的风格彰显无遗。
毕加索去世前的最后一幅自画像，用蜡笔画的，一双似乎因惶恐而睁大的眼睛，紧闭的双唇，憔悴的脸庞，显示了他面对死亡深渊的真实内心世界。
维瑞·勒布伦
维瑞·勒布伦，是十九世纪著名的法国女画家。看来那时候还是女画家的自画像靠谱，更贴近人类，嘻嘻~
也许勒布伦认为可以用颜值吃饭，所以这张自画像很唯美，她挺直站立，左手拿着调色板和画笔，嘴唇带有微笑，简朴的低胸装，头戴造型优雅的草帽，上边带有美丽的驼鸟毛和花朵，裙装为绸缎材料，配有奢侈的黑色披肩，描绘了一个优雅自信的女性形象。
草间弥生
这里选取了一位东方女画家。草间弥生是日本的当代女艺术家，她被人们称之为“波点女王”。这幅自画像上，她也没有放过表达对小圆点的狂热喜爱，不过，无论技法如何，还是带有“浮世绘”的日本民族风格。
宋徽宗赵佶
这是宋微宗赵佶《听琴图》，高松绿竹下一人正坐抚琴，道服褐色，据清人胡敬《西清扎记》考证，此乃赵信自写像，若果如此，这当是中国传世最古老的自画像了。不过学术界多认为此画不是赵佶真笔，而是当时画院画家所作，只是赵佶签名而已。从画像来看，其气度、个性，无疑是一位帝王之类的人物。
张大千
张大千是具有世界影响力的中国画大师，他集文人画，宫廷画和民间艺术为一体。张大千最富于创造性的是人物画，他的自画像有很多都是寓意深刻的绘画佳作。
张大千笔下的自己，清风道骨，神清气爽。
齐白石
齐白石，在我国可谓是家喻户晓。齐白石以画草虫花卉见长，人物画也颇有特色，用笔简练，寥寥几笔，人物的神态便呼之欲出。他的《人骂我我也骂人》自画像把自己定型为白眉白须，不图形似而求神似。
徐悲鸿
徐悲鸿是中国近代美术的奠基者，他的绘画作品熔古今中外技法为一炉。这是他年轻时的自画像，脸上还透着稚气，不过，此时的技法已经有中西融合的味道。
这幅《镜中的他们》的油画，是1924年徐悲鸿在法国绘制的一系列以自我为主题的作品之一，前面抱猫的是蒋碧微，后面是徐悲鸿，作品表现了他们对生活的热爱。
丰子恺
丰子恺的漫画作品，富有浓厚的生活气息，颇受大众喜爱。这幅自画像中，他把自己的胡子画成了垂柳，饶有趣味。
黄永玉
老顽童黄永玉的画，幽默风趣，我是最喜欢看的。这幅自画像，两个逗趣儿的招风耳，眯缝着眼，缺了门牙还乐不可支，圆滚滚的肚皮，地上放着一个大烟斗。这便是老顽童黄永玉的90岁自画像，手舞足蹈的高兴劲儿简直就是个三岁小孩子！
这是黄永玉65岁时的自画像。
潘玉良
潘玉良是中国一位传奇女画家、雕塑家，她的特殊的遭遇与复杂的经历，赋予了潘玉良某种幽怨的气质。这是潘玉良1940年作于法国的一幅自画像，被公认为其自画像中最美的一幅。这幅画中的中式盘发和极具古典气质的绣花黑旗袍，极好地衬托出她内心的温柔婉约，她迷离的眼神又仿佛透出一丝忧伤，自画像中有凄美，有哀愁，也有馥郁的意境。
这是潘玉良唯一一幅露点的自画像，只有这幅作品，潘玉良终于笑了，她两颊绯红，神态迷醉。如其友人所述，似乎这才是她的野生面目，也许她只有借着酒劲，才能与赤裸而真实的自己达成和解，从而暂别忧愁。这幅画 2005年在香港佳士拍卖，创964万元记录。
陈逸飞
陈逸飞是闻名海内外的当代华人艺术家，他生前以“大美术”的理念，在电影、服饰、环境设计等诸多方面都取得了创造性成就，成为文化名流。
陈逸飞的自画像只有两幅，这幅名字叫《踱步》，创作于改革开放之初，是一幅巨大的画中画。画家首次也是唯一一次画了自己的背影，他凝视着一幅描绘20世纪前期军阀割据、外敌侵略等代表性场景，表现出以人文视角反思近现代史的主题。
这是陈逸飞的《艺术家与众多美女》，画中的男性就是陈逸飞自己，在创作手法上，陈逸飞采用了大色块平涂，这是他在绘画艺术语言上的新探索。
看完诸多艺术家的自画像，有个小家伙不服气了……
大家觉得它的作品如何？
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